ENSAYO SOBRE EL IMPRESIONISMO
Por
Carlos Alberto Ceferino M
Impresionistas y postimpresionistas, un puente entre la figuración y la
abstracción
ENLAZADO O RELACIONADO CON
ENLAZADO O RELACIONADO CON
Quiero comenzar este ensayo con la pregunta:
¿Cómo un movimiento, una tendencia artística, logra desplazar la pintura tradicional
de los últimos cuatrocientos años?, y es que son dos fechas decisivas en las
que, impresionismo y postimpresionismo se enmarcan: la primera exposición impresionista
en el año 1874 y la muerte de Cezzane en 1906, son casi treinta años en los que
un cambio y ruptura en la pintura y las artes en general se avizora De esta
forma, nos ubicamos aquí en el último
cuarto de un siglo que, como el XIX, aspectos como la ciencia, el arte y las
nuevas ideas políticas tuvieron su caldo de cultivo en el continente europeo, del
cual se derivaron las gestas independentistas en América, entre otros; fue el
siglo de la locomotora, de la industrialización, de la fotografía, de grandes
inventos y personajes de fuerte carácter individual, se inventan el hierro y el
vidrio con la torre Eiffel y el Cristal palace como ejemplos. Vamos entonces a esos primeros
encuentros entre las pinturas impresionistas y el público, y esa especie de
choque, suscitado, al observar estas obras,
tanto desde el punto de vista formal y técnico como desde el contenido; la
exclamación generalizada era que esas obras estaban mal pintadas, que la
composición no cuadraba con los cánones establecidos y un largo etcétera NO
sobra recordar que el impresionismo es la continuación del realismo ya que
también adopta temas de la vida cotidiana, en la que el paisaje es la gran
oportunidad que tienen los artistas para jugar con el color:
“Usando colores primarios sin mezclar, la saturación y la abundancia
del mismo, el contraste cromático, la presencia de colores claros y la
casi ausencia del negro”
Al mismo tiempo sus experiencias
plantearon que era posible que el ojo humano yuxtapusiera colores y luego los
combinara, que cada color generara una impresión visual desde el complementario
y que era posible eliminar el negro en sus obras
El otro gran fenómeno que
experimentaron los artistas impresionistas, a la par con los descubrimientos de
la fotografía fue el de la Percepción espacial y el Fragmento; sus obras ya no
eran para verlas de cerca, el espectador debía alejarse, de esta manera el ojo
podía juntar dos colores primarios y percibir el secundario; así, pintar la luz
se volvió algo alucinante, había que ver la pintura dos veces, el grumo fue el
primer salto a la tridimensionalidad porque no a la abstracción
Uno de los primeros en suscitar
estos choques fue el pintor francés Manet, tanto desde el trato formal de sus
obras como desde su contenido, Manet no ocultaba la pincelada, la evidenciaba,
la hacía presente, en sus temas; también confronta desde el contenido, Cuando en una obra como
1 Art Spain. Fuente
extraida de internet
“almuerzo sobre la hierba”
desnuda a las mujeres y en una esquina de la misma pinta una rana, en clara alusión
a la condición de prostitutas de las mujeres, es una obra que en palabras del
profesor de historia del arte Gustavo Villegas, “funda algo nuevo, mirando
hacia atrás”. Aquí ya la pintura no es una ventana al mundo sino un fragmento
de ella, el instante de esa imagen; con Manet la perspectiva lineal empieza a
ocupar un segundo plano, al dar un cambio
que aplana sus composiciones
Otro gran viraje producido en la
pintura tradicional, es que los pintores impresionistas retratan y escogen
temas por fuera de la cultura euro centrista. Manet y otros son influenciados
por el arte oriental del japonés Hokusai, Gauguin a su vez recibe influencias de
los maoríes de Indonesia, y con esto es el primero en poner sobre la alfombra
el tema de la descolonización; son los tiempos de Darwin con el origen de las
especies, en el que el hombre se sabe explorador, confrontador, experimentador,
con las formas de vida de un nuevo
mundo, son pinturas que ya no dependen del modelo de yeso, de la luz artificial
en el estudio; están más en contacto con el exterior, con el afuera, con sus
colores y atmosferas Quiero detenerme
ahora en un aspecto antes enunciado y es el fuerte carácter de individualidad y
personalidad conflictiva de estos artistas, los cuales tuvieron asociaciones
intermitentes, y por esto el mundo académico los ha tratado de unir a pesar de
sus marcadas diferencias. Son tan particulares sus visiones del arte que
casi podríamos decir que cada uno de
estos que a continuación se mencionarán, han marcado e influenciado el arte del
siglo xx:
Paul Cezzane por ejemplo, al decir
que toda la naturaleza se podía representar a través del cubo, la esfera y el
cilindro, trazo los caminos del cubismo. Hay que recordar como Juan Gris y
Picasso pasaron de sus obras bidimensionales a obras tridimensionales con sus
collages con materiales sólidos. Gauguin con su confrontación con la sociedad
de su época, su apología a lo primitivo enrumbo el arte de principios de siglo
hacia la tendencia denominada Fauves, y Van
Gogh con su arte gestual devino después en el expresionismo, Pero es a este último
al que el Mundo académico del arte debe todavía su reconocimiento, pese a que
treinta años después tuvo su valoración, pese a
los escritos sobre el origen de la obra de arte de Heidegger, en el que
se detiene en su obra sobre los zapatos, pese a los escritos del poeta Antonin Artaud
con su obra Van Gogh el suicidado por la sociedad, pese a la película sueños de
Kurosawa; sigue latente el espacio de análisis en la figura de Van Gogh como uno
de los artistas decisivos en lo que
podríamos denominar la espiritualidad del arte
Lo interesante en este asunto es
resaltar el desarrollo de la búsqueda de la verdad en Van Gogh, su pintura
transmite ese mensaje espiritual, incorpora la idea de gente simple, lleva lo cotidiano,
lo sencillo al punto de volverlo mito; en Van Gogh los objetos útiles se
vuelven inútiles. Heidegger basándose en el cuadro de van Gogh (en el que aparecen un par de
zapatos), afirma que el ser de lo inútil sirve para algo, y dice:
“La campesina usa los zapatos (los calza) con seguridad, es decir
se siente segura al usarlos, sirven para
cubrir sus pies….en consecuencia en el cuadro de Van Gogh no están los zapatos, en él está la
representación, ontológicamente muestra su ausencia”[1]
En el caso de Van Gogh, el ser tiene como función ser, no
interesan los juicios valorativos, ni calificativos, al ser solo le interesa
ser, es su único objetivo; su pintura es un canto a lo cotidiano, a las cosas simples
con un componente religioso, a pesar de su decepción con las instituciones
evangelizadoras. Hay que destacar también el momento de ruptura en su pintura ocurrida
en el año 1985, época en la que conoce los impresionistas; Van Gogh
sobresale por su recorrido intelectual, su cultura literaria, lo que se
evidencia en sus cartas a Theo:
“Shakespeare es a Charles Dickens o a Víctor Hugo lo que RuysDael es a Daubigny
y Rembrandt a Millet”[2]
Refiriéndose a que hay pintores que pintan con las palabras y
hay escritores que escriben como pintando, usando colores; esta razón entre
otras, permite asegurar la buena salud mental de la que gozo Van Gogh y en
carta de1889 dirigida también a Theo
expresa:
“pero la gente dice que soy indigno de vivir en libertad en
Arles”[3]
Incomprendido y suicidado por la sociedad, como lo escribió
Artaud, fue una personalidad agreste, silvestre y conflictiva como la de Van
Gogh, al igual que la de Gauguin y
Cezzane, personalidades estas decisivas en lo que sería el arte contemporáneo
del siglo xx
BIBLIOGRAFIA
-Vincent, Van Gogh, Cartas a Theo, Editorial Labor SA,
Barcelona 1992
-Heidegger, Martin. Origen de la obra de Arte
-Art spain – fuente de internet
- Wikipedia
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